Методы работы над полифонией на уроках музыки

«Влияние музыки на детей благодатно, и чем ранее они начнут испытывать его на себе, тем лучше для них».

В.Г.Белинский

Урок музыки - урок искусства. Это значит, что музыка определяет все происходящее на занятиях: характер общения учителя с учащимися, методы, приемы донесения музыкального материала, логику организации занятия. Ведь и строится урок в опоре на закономерности самой музыки. В нем обязательно есть своя кульминация, подход к ней, заключение. И драматургия урока может быть аналогичной музыкальным формам иметь черты трехчастности, рондо, вариации, т.е. в целом урок по содержанию и по форме должен представлять собой как бы произведение искусства.

Занятие пением - один из самых демократичных и доступных видов музыкальной деятельности. Дети любят петь, реализуя тем самым естественное стремление к самовыражению. Пение в ансамбле - это еще и коллективная ответственность, вернее, забота об общем деле, где в процессе занятий создается неповторимая аура сопричастности, сотворчества.

Многоголосную музыку, в которой каждый голос самостоятелен и равноправен с другими, принято называть полифонической музыкой, а самый склад такой музыки - полифонией. Полифония - греческое слово, означающее многозвучие, многоголосие.

Полифонический склад свойствен музыке самых различных стран и времени. До начала XVII века он был преобладающим в западноевропейской музыке, а высший расцвет полифонии связан с именем Баха, великого немецкого композитора первой половины XVIII века. В своих произведениях для хора, оркестра, для отдельных музыкальных инструментов Бах придавал каждому голосу необыкновенную выразительность, соединяя голоса в одно целое с удивительной свободой и высоким мастерством.

Полифонический склад присущ и древнерусской хоровой музыке. Очагами профессионального хорового пения были тогда монастыри и певческие школы при храмах. Первоначально пение было одноголосным, унисонным, но затем к основной мелодии стали добавлять подголоски (как в русской народной песне), а в XVIII веке русское многоголосное пение достигло очень высокого уровня.

Творения старых русских распевщиков (как называли тогда композиторов) в новое время долго были достоянием только ученых историков музыки, но в последние десятилетия они возродились в концертной практике лучших советских хоровых коллективов. А имена композиторов XVIII века - Д. Бортнянского, М. Березовского становятся почти столь же известными, как имена Глинки и Чайковского.

Одноголосные музыкальные произведения встречаются в современном музыкальном искусстве - народном и профессиональном - лишь как исключение. Красота песни раскрывается ярче всего при ее многоголосном исполнении, когда к основной мелодии присоединяются украшающие ее затейливые подголоски, а сама мелодия как бы разветвляется на отдельные голоса, причем каждый голос то выходит на первый план, то снова скрывается, уступая свое место другим.

Из чего же складывается система развития навыка многоголосного пения у детей? Прежде всего из их умения слышать несколько мелодических линий, тембров в музыке.

• >    упражнение, которое обычно получается очень быстро даже у самых маленьких детей, заключается в пении выдержанного звука в нижнем или верхнем голосе на фоне пения педагога.

• >    петь выдержанный звук можно и по очереди, по цепочке передавая, друг другу через такт или через два такта. Позже вместо одного выдержанного звука можно петь два - квинту.

• >    затем, с помощью инструмента и педагога можно уже участвовать в пении обоих голосов.

Очень важно также, чтобы ребята слышали количество звуков в созвучии, в аккорде. Для этого рекомендую игру «Сколько звуков слышу я?». Учитель играет любые интервалы (простые и составные), аккорды, а дети пальцами показывают количество услышанных звуков от одного до четырех.

• >    освоение параллельного движения голосов. Упражнение поется под аккомпанемент педагога на любые слоги или гласные звуки в разных тональностях. В каждой новой тональности при необходимости педагог настраивает учащихся.

Нужно, чтобы дети слышали консонанс и диссонанс . Развить это умение тоже можно с помощью игры. Дети делают мягкое, плавное движение руками, если слышат консонансное созвучие, и останавливаются, если слышат диссонанс,

Ритмическое двухголосие - первый шаг на пути к многоголосию мелодическому. Здесь полезно исполнение песенок с остинатной ритмической фигурой в аккомпанементе, например «Уж как шла лиса» с такой ритмической фигурой.

Ритмическое сопровождение более распространенное. Его можно отхлопать, отстучать, а можно исполнять на элементарных детских музыкальных инструментах. Постепенно переходим к ритмическому двухголосному и трехголосному сопровождению, к песням, попевкам.

На уроках мы обычно играем так называемый рабочий аккомпанемент, приучая тем самым детей к постоянному звучанию мелодии на инструменте. Да, на первых порах нужно поддержать детей, а дальше необходимо показать им настоящий аккомпанемент, предложить вслушаться в него и затем своим пением влиться в гармоническую ткань произведения.

Полезно для развития многоголосия слушание и озвучивание гармонических интервалов. Начинать нужно с квинты, секунды и терции, октавы, а затем постепенно вводить другие.

Для развития навыка многоголосного пения научите ребят слышать средний звук из трех.

• >    пение аккордовых построений, которые получаются импровизированно по указанию педагога изменить то верхний, то средний, то нижний голос на тон или полтона вверх или вниз.

Полезно также петь с ними кадансы по слуху, по записи; упражнения с выдержанным звуком в одном голосе и движении в другом; упражнения с противоположным, самостоятельным движением голосов.

• >    пение канонов , причем как общеизвестных, так и самостоятельно сочиненных. Если попросить ученика сымпровизировать мелодию таким образом, чтобы она подходила к тем аккордам, которые играет на фортепиано педагог (гармоническая последовательность аккордов должна периодически повторяться), то получится тема канона.

Говоря о методах работы над многоголосием, я хочу остановиться на нескольких основных положениях. Особенно внимательно надо учить моменты вступления различных партий, переходы с унисона на многоголосие и особенно с многоголосия на унисон. Сложные кадансы, последовательности надо учить отдельно, их, например, можно включить в распевание - учить медленно, прослушивая все созвучия, если необходимо, задерживать определенные созвучия на фермате. На первых этапах, выучив одну партию, хорошо спеть ее, вначале подыгрывая партитуру, затем спеть противоположную партию, вслушаться, слиться.

Очень полезно не учить свою партию, а найти ее внутренним слухом, а затем вокализом озвучить (по принципу «нижний звук из двух»).

• >    наложение голосов. Сначала разучивается мелодия, поется с названием нот, затем группа делится на три партии.

• >    коллективная импровизация каданса, а затем второго предложения периода на заданную гармонию. Каданс - самая напряженная точка музыкального построения, где трудно (почти невозможно) остановиться, так как накопившееся напряжение неудержимо «толкает» к дальнейшему движению к тонике.

Еще интереснее, вслушиваясь в гармоническую ткань произведения, сочинить свой подголосок, голос; ну а отсюда один шаг до гармонической импровизации.

Материалом для первоначальной работы может быть простая (лучше народная) песня с ясной гармонической структурой.

Учим песню одноголосно.

Затем исполняются различные варианты звучания в пределах заданной гармонии и предлагаю детям, вслушавшись в звучание аккордов, сочинить свои подголоски в удобном для них диапазоне. Вначале робко, а затем все смелее появляются трех-четырех - пятиголосные аккорды, а затем подголоски, мелодии... Это очень интересно и очень полезно, к тому же это настоящая творческая музыкальная деятельность - то, к чему мы все время стремимся.

Перед каждым учителем встает вопрос: Как заинтересовать, увлечь детей музыкой? Эта проблема увлеченности детей - одна из фундаментальных проблем всей педагогики. Без эмоциональной увлеченности невозможно достичь мало-мальски сносных результатов, сколько бы ни отдавать этому сил и времени. На эти трудные вопросы пособий и рекомендаций четких нет, но каждому учителю после проведенного урока становится ясно, что огромное значение на уроке музыки играет сама Музыка, которую необходимо тщательно отбирать, но и, конечно, сам учитель должен любить то, что преподает.

Творчески работающие учителя музыки постоянно испытывают потребность в обновлении песенного репертуара, который должен быть доступным, интересным и увлекательным, приносить радость и ученикам, и педагогам.