Значение живописи в искусстве XXI века

(студентка 2 курса кафедры «Дизайн» ФГБОУ ВПО «Госуниверситет – УНПК»)

Искусство – составная часть духовной культуры человека. Без приобщения к нему человек не будет иметь нравственной опоры в жизни. Каждый из нас должен развивать в себе чувство прекрасного. Ведь именно искусство развивает наше мировосприятие, воспитывает душу человека. Но многие из нас не хотят проникнуть в тайный смысл искусства, понять и принять его. Только образованный человек способен отличить прекрасное от безобразного.

Живопись является видом изобразительного искусства. В настоящее время многие люди, так называемые «художники», сделав пару мазков, создают «шедевры». Это стало актуально в XXI веке. Эти люди даже не задумываются о том, на сколько далека их картина от полотен великих художников. Они считают, что придумали что-то новое, необычное, экстравагантное, шокирующее публику. Но это не так. Для того чтобы создать что-то новое, неординарное, свой стиль в живописи, сначала великие художники изучали основные каноны академического рисунка, академической живописи, применяли их на практике, много рисовали с натуры, и только потом экспериментировали. Они понимали, что невозможно создать шедевр, в котором отсутствуют основные законы композиции, построения рисунка, сочетания цветов и т.д. На протяжении долгих веков многие известные живописцы создавали свои полотна с фотографической точностью. Например, картины Леонардо Да Винчи – это шедевры мирового изобразительного искусства. Его работы реалистичны, прописаны и прорисованы, показана игра света и тени, этому позавидовал бы каждый из нас. Еще одним примером могут служить полотна Айвазовского. За основу взято море, которое как будто оживает на картинах. Оно дышит, бушует, живет. Почему так? Айвазовский очень правильно и гармонично смешивал цвета, правильно располагал свет, полутень и тень, точно прописывал предметы. Художник смог с небольшим количеством цветов создать шедевры, которые вошли в вековую историю. А Шишкин, Левитан, Куинджи…А их работы… Их пейзажи несут эмоциональную окраску. Посмотрев на них, человек воспринимает это состояние, прочувствует его всей душой. Вот как надо писать картины. Главное для художника- придать картине эмоциональную окраску, жизнь. И все это достигается с помощью красок.

Живопись помогает нам создать некую реальность. Это происходит благодаря правильной композиции, рисунка и колорита. Существуют монохромная живопись (создается одним цветом или оттенками одного тона), красочная гамма (взаимосвязь цветовых тонов), неизменяемый локальный цвет, изменения цвета (полутона, переходы, оттенки), способные показать различия в освещении предметов и в их положении в пространстве, рефлексы, отображающие взаимодействие различно окрашенных предметов. Общий живописный тон воссоздает предметы в единстве с окружающей средой. Валеры (оттенок тона в живописи и графике, выражающий определенное соотношение света и тени) образуют тончайшие градации тона. На непосредственном изучении натуры основано воспроизведение естественного освещения и воздушной среды (пленэр). Выразительность полотен определяется характером мазка, обработкой красочной поверхности (фактура). Передача объема и пространства связана с линейной и воздушной перспективой, светотеневой моделировкой, использованием тональных градаций и пространственных качеств теплых и холодных цветов. Живопись бывает однослойной и многослойной, имеющей подмалевок и лессировки.

Жанры живописи специфичны для каждой из областей художественной культуры. В изобразительном искусстве основные жанры определяются прежде всего по предмету изображения (портрет, пейзаж, интерьер, натюрморт: исторический, батальный, анималистический, бытовой) или по характеру интерпретации этого предмета (карикатура, шарж, камерный портрет, историко-бытовой жанр и т.п.). «Поджанры» основных жанров возникают при дроблении самих предметов изображения (марина – морской пейзаж, «завтраки» и «десерты» – разновидности натюрморта). Основные жанры имеют свои исторические границы. Искусство древности, Средневековья, Возрождения не знало четких границ между жанрами. Однако в 17–18 веках эстетика классицизма создала строгую иерархическую жанровую систему с разделением жанров на «высокие» и «низкие». Но уже в 19 столетии эта иерархия разрушается, границы между жанрами постепенно стираются, начинается процесс их переплетения и сложного взаимодействия. Различают монументально-декоративную (стенные росписи, плафоны, панно), станковую (картина), декорационную живопись (театральные и кинодекорации), иконопись, декоративная роспись предметов обихода, миниатюра (иллюстрирование рукописей, портрет), диорама и панорама. Основные технические разновидности — масляная живопись, живопись водяными красками по штукатурке — сырой (фреска) и сухой (а секко), темпера, клеевая живопись, восковая живопись, эмаль, живопись керамическая, мозаика, гравюра, витраж, акварель, гуашь, пастель, тушь.

Все это надо знать художникам, старающимся стать «великими». Без этого багажа знаний невозможно идти вперед. Многие представители кубизма, авангардизма, футуризма, сюрреализма, абстракционизма, арт деко знали основные законы академического рисунка и академической живописи. Если посмотреть работы Сальвадора Дали, представителя сюрреализма, понимаешь, что художник, при создании картины, учитывает законы воздушной и линейной перспективы, прорисовывает предметы и людей. И только потом художник поражает своими образами, творя причудливые и шокирующие их сочетания, наложения и переплетения. Сальвадор Дали стал одной из самых одиозных и эксцентричных фигур XX века. Он спровоцировал в свое время настоящие взрывы восторга и негодования в обществе. Да, это великий человек, это личность, гений. Никто из предшественников не создал «мягкие» часы, «длинноногих» слов и т.д. Необычен его колорит. Он выдержан. На одних работах присутствуют темные и теплые тона, на других - яркие, сочные краски. На полотнах прослеживает четкая игра света и тени. Например, в известной работе «Постоянство памяти» художник выдержал колорит, используют в основном холодные тона, мягкие и плавные переходы.

Еще одним ярким представителем сюрреализма является Рене Магритт, создавшего целую цепь знаменитых полотен. В картинах этого живописца постоянно присутствует ощущение напряженности и таинственности («Компаньоны страха», «Букет роз», «Объяснение») Магритт мастерски создавал контраст между прекрасно выписанными старинными сочетаниями ирреальных предметов и естественным окружением, с этой целью художник активно использовал в своих картинах символы зеркал, глаз, окон. Его картины привлекают многих наших современников. Магритт сумел построить необычную композицию (накладывал один предмет на другой, делал их прозрачными, невидимыми, комбинировал предметы разных объемов, создавал ирреалистические образы, полные тайн и загадок),играл светотенью, использовал теплые и холодные тона, растяжку цвета и многое другое.

Но в живописи существуют такие картины великих художников, которые вызывают у людей чувство тревоги, страха, неприятного ощущения, злобы. Например, картина испанского художника Джованни Браголина (также известного как Бруно Амадио) «Плачущий мальчик», шедевр норвежского художника Эдварда Мунка «Крик», полотно американского художника Билла Стоунхема «Руки противятся ему». Каждая из картин написана в своем стиле, в своей технике, с учетом всех правил живописи (использование разных цветов и оттенков, света и тени, выдержан определенный колорит), прописана и несет определенную эмоциональную нагрузку. Но эти полотна окружены многолетней тайной, с ними связано много мистических историй. Одни считаю, что они прокляты, другие — что несут зло и тревогу. Возможно это правда, а, возможно, и нет. Но понятно одно, что работы известных художников-живописцев способны как «воскресить душу человека», так и сломать его.

Интересно, а кто — нибудь из нас задумывался, зачем вообще нам нужно изучать живопись, ее каноны, представителей данного вида искусства? Многие современные художники считают, что создав работу, она обязательно должна стать произведением искусства. Но ведь это так. Многие художники получали признание лишь после смерти. Это связано с тем, что художник-живописец - это творец, способный создать из одной реальности другую реальность. В какой-то степени он видит будущее. Никто не следовал определенному направлению в живописи, академизм сменялся импрессионизмом, авангардизмом, кубизмом, сюрреализмом, гиперреализмом и так далее.

Клод Моне создал работу под названием «Впечатление. Восход солнца», тогда и возник импрессионизм. Написав свой этюд энергичными мазками, используя ярко-оранжевый цвет, художник сумел передать свет, дрожащий на воде. Во «Впечатлении» Моне свободной и легкой кистью нежными тонами передал свое впечатление, полученное утром в гавани Гавра, и несколькими смелыми мазками наложил оранжевые рефлексы солнца на многократно преломленные серые тона. Однако очертания мачт и труб, потонувших в тумане, образуют графическую структуру, композицию из вертикалей и диагоналей, которые членят и оживляют плоскость. Свободный мазок, эскизность, благодаря которым так непосредственно передано воспринятое мгновение, в глазах публики предстает как живопись, скандально грубая и сырая. Так сотворив свой этюд, Клод Моне прославился и вошел в историю мировой живописи. Художник чувствовал, что требовал тот век.

Каждый художник чувствует, что нужно его душе, что нужно публике. Да, бывает, когда не признают при жизни твой талант, но это не значит ,что надо останавливаться на достигнутом. Наоборот, необходимо двигаться дальше. За всю свою жизнь Винсент Ван Гог продал только одно полотно «Красные виноградники». Он так не добился признания, но в трудный период художник всегда будет прибегать к искусству как к спасительной гавани. Все свои надежды Винсент Ван Гог возложил на творческое самовыражение в живописи. За все время Ван Гог создал только одно полотно по законам и правилам классического искусства — «Едоки картофеля». Он создает свой стиль, в котором преобразует простые природные формы в их тревожные драматично — динамичные подобия ( картина «Звездная ночь»).Только после смерти его работы были признаны шедеврами.

Поэтому нынешнее поколение «художников» не должны думать, что слава приходит просто так, как дар с небес. Нет! Это очень тяжелый труд. Чтобы воздействовать на людей своей живописью, своим рисунком, своим искусством, человек должен сам проникнуться им, посвятить ему свою жизнь, быть преданным ему и безмерно любить. После того, как художник сам поверит в свое искусство, он сможет добиться признания. Возможно, еще надо быть немного безумным. Многие художники были поглощены им. Искусство давило на их психу, на их виденье. Наверное, из-за столь необычного и неординарного виденья были созданы многие великие полотна. Как сказал Гюстав Моро : « Живопись- страстное молчание». А ведь так и есть. Живопись – это эмоция, страсть, порыв…

Много великих художников, чьи работы завораживают наше воображение, затрагивают нашу душу, заставляют задуматься о многих вещах. Чтобы стать такими, надо очень много трудиться, рисовать с натуры, ходить на пленэры, читать литературу( например, Иттен «Искусство цвета» ), прислушиваться к преподавателям, знающим толк в этой сфере деятельности, усовершенствовать свои картины, использовать разные материалы (масло, акрил, акварельные карандаши, гуашь, акварель и т.д.), пробовать разные техники, копировать произведения великих художников. Ну и конечно наличие таланта. Главное не останавливаться на достигнутом. Очень точно подметил Сальвадор Дали : «Для начала научись рисовать и писать как старые мастера, а уж потом действуй по своему усмотрению – и вас всегда будут уважать».