NFT-арт: диалоги с наследием авангарда и модернизма

Историческое художественное наследие имеет непреходящую роль в становлении и развитии новейшей культуры, помогая самоидентификации поколений «отцов и детей», провоцируя конфликты или налаживая плодотворные диалоги, тем самым открывая горизонты и перспективы далекого будущего. Таким образом, художественная традиция не прерывается, но постоянно развивается, отражая изменчивую природу современной цивилизации и философское мировоззрение.

Отношения новейшего цифрового искусства к художественному наследию на первый взгляд могут быть антагонистическими, агрессивными, граничащими с радикальным неприятием, полными непреодолимых противоречий. Однако при ближайшем рассмотрении выясняется, что идейные и художественные поиски «радикалов», видящих будущее в глобальной цифровизации всей культуры, не настолько категоричны. Совершенно очевидно, что их поиски выросли на хорошо ухоженной почве культурного наследия, отказаться от которого невозможно, без которого невозможно представить далекое будущее. Этот парадокс конфликта «отцов и детей» – всего лишь признак быстрого, динамичного движения вперед, которое типично для западного общества, пронизанного идеологией «прогрессизма», который сопровождается беспрецедентным уважением к культурному наследию, его сохранению, изучению и масштабной популяризации.

Современные художники одновременно и чтят традицию, и бросают ей вызов, движимые сильнейшим желанием расширить границы самовыражения, используя все доступные для этого творческие методы и технологии. Так, с появлением и утверждением технологии NFT произошла демократизация искусства и обогащение его но- выми смыслами. Именно благодаря этому процессу развиваются и добиваются невероятного признания цифровые художники, прежде не имевшие доступа в мир «большого искусства», расширяется аудитория зрителей и коллекционеров, формируются новые жанры арт-критики.

Таким образом, анализ взаимоотношений новейшего мультимедийного искусства и художественного наследия в странах Запада находится в центре внимания нашей статьи.

Обзор литературы

Направления новейшего цифрового искусства развиваются с огромной скоростью, что создает некоторые затруднения для комплексного освещения в научных трудах. Доступные широкой публике на русском языке релевантные исследования зарубежных коллег К. Пол [1], М. Раша [2] и Л. Мановича [3] значительно продвинули изучение и систематизацию цифрового искусства, а также расширили теоретическую основу новых медиа. Среди публикаций отечественных специалистов стоит выделить исследования С. В. Ерохина [4] по систематизации компьютерного искусства и эстетике цифровых медиа. Данные публикации исследуют взаимодействие технологий, искусства и социокультурного контекста, подчеркивая преобразующий потенциал новых медиа в изменении формы художественного самовыражения и вызове традиционным формам искусства. Перечисленные исследования сыграли значительную роль в становлении цифрового искусства как нового вида художественного творчества, способствовали критическому дискурсу, заложили теоретические основы, представили историко-культурный контекст, в котором развивались новейшие медиа. Более того существенно расширили образ современного искусства. Главной проблемой вышеперечисленных исследований является то, что они давно не переиздавались и не отражают существенных изменений в тенденциях последних 10 лет. Для актуализации информации были использованы отдельные публикации зарубежных музеев последних трех лет, среди них LACMA (Лос-Анджелес) [5], Moco (Амстердам) [6], MoMA (Нью-Йорк) [7], Центр Помпиду (Париж) [8], впервые представившие искусство на блокчейне в своих коллекциях и кураторских выставочных проектах.

Методы исследования

В рамках исследования были применены формально-стилевой, иконографический, иконологический, историко-культурный и историкосоциальный методы исследования.

Результаты и дискуссия

Несмотря на то что движение искусства на блокчейне находится на ранней стадии своего развития (2016–2023 гг.), оно уже имеет своих звезд. И одним из признанных пионеров криптоискусства по праву считается анонимный художник из Лондона – Xcopy (Икскопи) [9]. О нем известно немногое: только то, что, занимаясь созданием gif-анимаций с 2010 г., он первоначально размещал их в известной соцсети Tumblr [10]. Однако известные ограничения, свойственные этой площадке, повлияли на формат его авторских произведений: как правило, это несложные анимированные файлы с минимальным количеством цветов [11]. Также известно, что Xcopy – весьма продуктивный художник, ведь в течение 10 лет он выкладывал новые работы каждый месяц [12]. С появлением возможности коммерциализации своего творчества с помощью блокчейна Xcopy завоевывает обширный рынок, формируя еще больший круг почитателей и коллекционеров, приведший его к феноменальному успеху. Известно, что свои первые работы он загрузил на блок-чейн («заминтил» – от англ. to mint – чеканить) еще в 2017 г. Расширяя свою экспансию, он охватывает многие блокчейн-платформы, среди которых Super Rare, Known Origin, Async, NiftyGateway и Opensea [13].

Как утверждает сам Xcopy, в своих произведениях он «…исследует смерть, антиутопию и апатию через искаженные визуальные петли» [14], используя резкие вспышки, яркие цвета и глитч-эстетику (glitch – с англ. «сбой»).

В одном из двух своих интервью для площадки SuperRare он говорит, что «…многому научился у пиксельных анонов (анонимный пользователь) в твиттере – этом развлекательном и вдохновляющем пространстве» [14]. Таким образом, эстетика gif-изображений кажется уже ретроспективной, отдавая дань временам культуры 2009–2014 гг., нашедшей свое воплощение на платформе Tumblr [15].

Xcopy нарочито использует эстетику пиксель-арта, граффити и глитчей для создания визуально насыщенных сцен, которые часто населены странными и тревожными существами. Художник ком- бинирует различные текстуры, формы и цвета, чтобы создать уникальный стиль, одновременно яркий и в то же время потусторонний.

Изучая эволюцию творчества Xcopy на Tumblr, можно заметить, как происходит становление его визуального языка. Начиная с исследований глит-чей и совмещая их с коллажной техникой (2010– 2013 гг.), художник постепенно вырабатывает характерные для своего творчества иконографические мотивы – изображение глаз, черепа, портретных силуэтов, которые охвачены дрожащей многослойной, почти истеричной линией. Подобные произведения появляются в ленте с ноября 2017 г., становясь истоком для его современных образов.

С другой стороны, нельзя не заметить некоторое сходство между работами Xcopy и Жана Мишеля Баскии, хотя и очевидно, что они представляют собой совершенно разные направления в искусстве.

В 2017 г. в Центре Барбикан в Лондоне прошла крупная ретроспектива Баскии под громким названием – «Баския: настоящий бум», которая стала первой масштабной выставкой работ художника в Великобритании. Экспозиция представила более 100 картин, рисунков и мультимедийных инсталляций Баскии, а также архивные материалы и фотографии [16]. Эта выставка вызвала огромный резонанс, укрепив положение Баскии как одного из самых влиятельных художников 20 века, показав неизменную актуальность его наследия для новейшего искусства и культуры [17]. Неслучайно, что именно после 2017 г. в творчестве Xcopy стали появляться многочисленные портреты, а роль художественного наследия в его творчестве приобрела особенно яркий характер.

Кроме того, нельзя не отметить диалоги с Xcopy с творчеством Фрэнсиса Бэкона, его хонто-логическими [18] портретами 1950-х годов, представляющими собой призрачные, мрачные образы, сложные вибрирующие силуэты будто бесплотных фигур, пребывающих в состоянии аффекта, с лицами, искривленными гримасой.

Другим крупнейшим событием художественной жизни Великобритании 2016 г. стала большая монографическая выставка произведений Фрэнсиса Бэкона в галерее Тейт Ливерпуль, под интригующим названием «Фрэнсис Бэкон: невидимые комнаты». Экспозиция включала более 80 работ художника, в том числе целый ряд неизвестных и малоизвестных картин из частных коллекций. Помимо того, выставочный проект также исследовал творческий метод художника, влияние его особого студийного пространства, разрушающего все мыслимые и немыслимые границы, что безусловно выплеснулось в его ярком художественном высказывании [19]. Невероятное напряжение и длительный резонанс, вызванные этой выставкой, спровоцировали ажиотаж вокруг картин мастера, которому стали посвящать многочисленные пуб- ликации. Более того, стали расти аукционные продажи, сделавшие Бэкона фаворитом самых успешных коллекционеров. Так, например, 6 октября 2017 г. на аукционе Christie’s была продана картина Head with Raised Arm (1955 г.), отметившая рекордную для той поры сумму в £11,483,750 [20]. Кажется, что успехи аукционных продаж картин Баскии и Бэкона сделали их имена еще более популярными в глазах нового поколения цифровых художников, мечтающих о признании.

Однако некоторые работы Xcopy выражают ясную гражданскую позицию, непримиримую реакцию на злободневные вызовы современности – в цифровых коллажах, совмещающих трафаретные заливки с узнаваемыми текстурами, «глитчами», характерными для индивидуального стиля художника. Вероятно, автор вдохновлялся стрит-арт культурой, в частности, работами Бэнкси и Шепарда Фейри. Художник не стесняется бросать вызов общественным нормам и порядкам, провоцировать. Пик политических высказываний Xcopy приходится на 2016–2018 гг.: это провока-тивные изображения премьер-министра Великобритании Терезы Мэй (2016–2019 гг.) и президента США Дональда Трампа (2017–2021 гг.), непринужденно позирующих на фоне мотивов, знаменующих глобальные конфликты и катастрофы.

Затем художник обратился к другим, более близким ему, остросоциальным темам – проблеме чрезмерного потребления и произвола средств массовой информации. Такая честность вызвала симпатии современных крипто-коллекционеров. Так, работа «Какая-то сволочь» (Some Asshole, 2018) [21] (рис. 1) была приобретена Cozomo de’ Medici за 3,86 миллиона долларов США. А коллекция «Сброд на телевидении» [22] в числе первых была продана Sotheby’s на их новой платформе Sotheby’s Metaverse, запущенной в октябре 2021 г.

Рис. 1. Xcopy «Какая-то сволочь», 2018

Fig. 1. Xcopy «Some Asshole», 2018

Помимо прочего, работы Xcopy заставляют задуматься и о природе цифрового искусства, в частности, крипто-искусства. Например, коллекция «Щелкните правой кнопкой и “сохраните как” парня» (Right-click and Save As Guy, 2018) [23] высмеивает популярное мнение обывателя: «Зачем мне покупать это, если я могу просто щелкнуть правой кнопкой мыши и сохранить это?». Помимо того, Музей современного цифрового искусства (MOGDA) отмечает, что Xcopy использует «“эффект глитча” как острый художественный прием для критики современных проблем и взглядов… Кажется, будто эта работа отражает саму природу крипто-искусства» [24].

Творчество художника уже широко признано арт-сообществом [25]. Его работы были представлены на таких выставках, как «Lugano NFT Week» на вилле Ciani в Лугано (2021 г.) [26], «CryptOGs»: пионеры искусства NFT на Bonhams, (2021 г.) [27], «DART2121» в Museo della Permanente (Милан, 2021 г.) [28], «Milano Art Week 2022» (Милан, 2022 г.) [29] и других.

Виктор Ланглуа (Victor Langlois, р. 2002) – другой молодой цифровой художник из США, больше известный под ником Fewocious (Февоше-ус), получивший значительное признание в мире крипто-искусства, начал творческий путь в возрасте 13 лет, размещая свои работы в интернете [30]. Таким образом, он «сбегал» от жестокой реальности, окружавшей его в семье, направляя всю свою энергию в творчество. Постепенно художник освоил цифровую живопись, отчасти и по той причине, что его религиозная, консервативная семья не принимала его творческие поиски, а, скрытые в цифровом пространстве, его рисунки оставались незамеченными для членов его семьи [31]. В 2020 г. художник обратился к крипто-искусству. Ланглуа быстро привлек внимание своими яркими и выразительными работами, сочетающими в себе элементы поп-культуры, аниме и стрит-арта. Кроме того, Fewosious часто исследует темы идентичности в своих произведениях, преобразуя их в сложные динамичные и яркие композиции. Его образы провоцируют зрителя, заставляя задуматься о самых острых проблемах современного общества (рис. 2).

Fewocious продает свои работы через ряд крипто-арт-платформ, включая SuperRare [32], Nifty Gateway [33], Opensea [34] и Foundation [35]. В марте 2021 г. он стал героем таблоидов, продав одно из своих произведений искусства на аукционе Christie’s за сумму, превышающую 1,5 миллиона долларов, что сделало его самым молодым художником, когда-либо представленным аукционным домом. Более того, 23 июня 2021 г., в день старта продаж, огромное количество пользователей, желающих сделать ставку, обрушили работу сайта. По свидетельству журнала Esquire такое случилось впервые [36].

Рис. 2. Виктор Ланглуа «Год четвертый, семнадцать лет – Его зовут Виктор», 2021 Fig. 2. Victor Langlois «Year 4, Age 17 – His Name is Victor», 2021

В своем интервью для Christie’s [37] Fewocious отмечает, что на его художественный вкус повлияла обложка музыкального альбома Канье Уэста My Beautiful Dark Twisted Fantasy (2010 г.) [38], в разработке которой участвовал художник-портретист Джордж Кондо (р. 1957 г.) [39]. И действительно, и у Fewocious, и у Джорджа Кондо есть похожие черты в поиске особенного портретного образа, где лицо героя деформировано, искажено гримасой или даже фрагментировано, напоминая пластические опыты раннего авангарда и кубизма. Оба художника создают гротескные, почти карикатурные изображения, показывая сложность человеческих состояний и психики.

Fewocious также отмечает, что мода для него является источником особого вдохновения. Прежде всего, коллекция Voss сезона весна-лето 2001 г. Александра МакКуина [37].

В многослойной красочности, фактурности открытых мазков и текстур, размашистых ударах кисти можно разглядеть влияние стрит-арта, а также творчества Баскии. Тем более, как говорилось выше, выставочные проекты, посвященные этому афроамериканскому мастеру, с триумфом прокатились по крупнейшим городам мира с начала 2000-х гг.

О широком признании Fewocious в арт-сообществе и даже в музейных кругах свидетельствует участие в престижных выставках, в числе которых «The New FuTure exhibition» под кураторством Музея Moco (Амстердам, 2023) [6].

Дмитрий Черняк (Dmitri Cherniak, р. 1988 г.) [40] - цифровой художник из Канады, работающий в жанре генеративной графики. Стал исполь- зовать NFT-технологию еще в 2014 г. Являясь инженером по образованию, он рассматривает свое творчество как часть «автоматизированного процесса», утверждая, что на самом деле «...творчества в этом процессе гораздо больше, чем это принято было считать» [41]. Черняк работает со скриптами, которые позволяют автоматически генерировать изображения на платформе Art Blocks. Он известен своей серией «Ringers», состоящей из 1000 NFTs, в которых используются различные комбинации расположения «струн и колышков», образующих уникальные геометрические композиции (рис. 3).

Рис. 3. Дмитрий Черняк «Кольца #910», 2021

Fig. 3. Dmitri Cherniak «Ringers #910», 2021

Использование Черняком ярких локальных цветов, смелых геометрических форм и контрастных композиционных решений, а также намеренное соединение несопоставимых элементов, создающих напряжение, конфликт в его цифровых произведениях, - дань его давнему увлечению супрематизмом, конструктивизмом и функционализмом Баухауза.

В одной из своих последних NFT-серий «Световые годы» (Light Years, 2022) Черняк по-новому взглянул на творческое наследие Ласло Мохой-Надя (1895–1946 гг.), с целью найти взаимосвязи с современным генеративным искусством (рис. 4). Выбор художника очевиден: ведь именно с творческими экспериментами Мохой-Надя напрямую связано искусство новейших медиа. Мохой-Надь одним из первых использовал телекоммуникационные технологии для создания произведения искусства - «Телефонные картины» (Telephone pictures, 1922 г.), которые были выполнены на фабрике по заказу, который был продиктован художником по телефону [4, с. 16]. Венгерский мастер вдохновился русским авангардом после посещения «Первой русской художественной вы- ставки» в Берлине в 1920 г. [42] «Телефонные картины» не только предвосхищают новые подходы и способы создания произведений искусства, но и показывают, что идейный замысел для современного художника важнее технического исполнения, которое может быть реализовано на фабрике. Таким образом, художник позиционирует себя, как «генератор идей», творец нового типа, для которого замысел важнее, чем его реализация, которую можно перепоручить «ремесленникам». Так, быть может, впервые интеллектуальное и художественное творчество отделяется от производственного процесса.

Рис. 4. Дмитрий Черняк «Световые годы», 2022

Fig. 4. Dmitri Cherniak «Light Years», 2022

Для реализации проекта «Световые годы» Черняк получил возможность исследовать сотни предметов в семейном архиве Мохой-Надя, разместившемся в мичиганском имении художника. Кроме того, в изучении наследия венгерского мастера очень помогло интервью с его 87-летней дочерью Хаттулой.

Каждое изображение коллекции было создано посредством системы генерации на основе кода, затем вручную отобранные варианты были распечатаны в аналоговой технике: с использованием пленочных негативов, проявленных в желатиносе-ребряной технологии [43] – точно так же, как в 1930-е гг. Затем негативы были оцифрованы и «отчеканены» как NFT [44].

В своем интервью для Christie’s Черняк рассказывает о том, что творчество Мохой-Надя стало источником его вдохновения задолго до реализации проекта. Художника восхитило то, как мастер-конструктивист 1920-х гг. прочувствовал и предвосхитил техногенную красоту эпохи гипериндустриализации. Хитросплетение проводов и железнодорожных путей, которые окружили дом авангардиста, нарушив патриархальные просторы полей, нашли отражение в динамичных ракурсах большого цикла фотографий, среди которых «Пересечение диагоналей» (1925 г.) и «Радио и железнодорожный пейзаж» (1919–1920 гг.). Безудержно растущий индустриальный мир открывается ему и в путешествиях, где в фокусе его камеры оказываются не дворцы и соборы древней германской столицы, но «Берлинская радиобашня» (1928–1929 гг.).

Размышляя о своих диалогах с венгерским авангардистом Черняк в своем интервью красноречиво рассказывает о своем проекте: «Использование железнодорожных путей и телефонных проводов казалось мне довольно символичным, связывая идеи Мохой-Надя с моей собственной генеративной художественной практикой, соединяя нас во времени и в пространстве. Алгоритм композиционного построения составляют сегменты, напоминающие железнодорожные пути, которые смещаются в перспективе, напоминая одновременно и телефонные столбы, и провода». Также, по его мнению, проект «Световые годы» – это во многом «…дань уважения истокам, а именно фотограмме как медиуму, продолжающему свою жизнь в цифровой культуре». Однако он создает «…фотографии не используя фотокамеру, обращаясь и к автономной системе, запрограммированной с помощью кода, и к “отточенному вручную” аналоговому процессу создания фотографий» [39].

Фотограмма [45], или, как ее иногда называют, «бескамерная фотография», была популярна в начале ХХ в. Помимо Мохой-Надя (в 1922 г.) к этой технике прибегали Кристиан Шад (с 1918 г.) и Ман Рей (в 1921 г.), вдохновленные дадаизмом. С данной техникой экспериментировали на протяжении всего 20 века, и продолжают это делать по сей день. На основе своих экспериментов с фотограммой Мохой-Надь создал «Модулятор света и пространства» (Light Prop for an Electric Stage, 1930 г.) и снял абстрактный фильм под названием «Игра света: черный-белый-серый» (Ein Lichtspiel schwarz weiss grau, 1930), с попыткой визуализации «акта видения» [46].

При поддержке коллектива фотографов Fellowship 10–13 ноября 2022 г. была организована выставка в рамках ежегодного смотра Paris Photo, а 1 декабря 2022 г. стартовал онлайн-аукцион. Запуску предшествовал выпуск документального фильма, рассказывающего о процессе производства данной коллекции в партнерстве с семейным архивом Мохой-Надь в Мичигане [47].

Важно отметить, что произведения Черняка вошли в состав NFT-экспозиции музея LACMA (The Los Angeles County Museum of Art), а также экспонировались в составе «The New FuTure exhibition» под патронажем Музея Моко (Амстердам, 2023 г.) [38].

Другой представитель этого поколения – Рафаэль Розендаль (Rafaël Rozendaal, род. 1980 г.) – современный художник голландско-бразильского происхождения, пионер и яркий представитель нет-арта (интернет-искусства). Его работы исследуют отношения между цифровым и физическим миром. В центре его внимания оказывается сама плоскость «экран» на которую проецируется изображение, однако эта плоскость осмыслена как метафизическая граница между мирами – реальным и вымышленным [48]. Несмотря на то что Розендаль является одним из самых ярких представителей именно цифрового искусства, он создает также «физические» версии в виде иммерсивных пространственных инсталляций, настенных росписей, холстов и видеоинсталляций, которые отражают эстетические и концептуальные темы его цифровых работ. Современная арт-критика, в лице ин-тернет-издательства Stirworld, анализирует художественный метод автора, отмечая, «…что увлечение веб-сайтами и доменными именами постепенно превратилось в объединение различных материалов и форм для выдвижения аргументов, которые часто пересекают тонкую грань между виртуальным и физическим. Эта дихотомия наряду с вопросами доступности составляет суть политики Розендаля, поскольку он регулярно работает как для интернета, так и для галерей» [49] (рис. 5).

Рис. 5. Рафаэль Розендаль «Один дома», 2020 Fig. 5. Rafaël Rozendaal «HOME ALONE», 2020

Примечательно, что только в 2022 г. художник выпустил несколько NFT-коллекций, в числе которых проекты «Пересечения» и «Углы» [50]. В своем интервью для креативного директора Art Blocks Джеффа Дэвиса художник подчеркивает: «…я очень долго работал с доменными именами и придерживался Web1. Теперь я полностью принял блокчейн» [51], что является наглядным свидетельством динамичной эволюции художника, «идущего в ногу» с интернетом, вступающим в эпоху Web3, одним из проявлений которой стал блокчейн [52].

Важно отметить, что прогрессизм Розендаля далек от нигилизма: художник страстно увлечен искусством модернизма, вдохновляющим его на новые художественные открытия [53]. Строгие геометричные и постоянно меняющиеся формы будто продолжают эксперименты абстракции начала ХХ в., пионерами которой были такие художники, как Казимир Малевич и Пит Мондриан [54]. Помимо того, среди фаворитов Розендаля – венгр Виктор Вазарели, признанный основоположник оп-арта, а также американец Фрэнк Стелла (р. 1936 г.), с его яркими, эксцентричными панно. Ряд модернистов ХХ в. замыкает наш современник Джеймс Таррелл (р. 1943 г.), мастер киноэффектов, вырвавшийся за пределы плоскости в иллюзорное трехмерное пространство, созданное с помощью света, оптических и физических эффектов.

Ярким примером такого диалога стала монографическая выставка мастера с эффектным названием «Цвет, Код, Коммуникация» (Color, Code, Communication) [55] в Музее Фолькванг (г. Эссен, Германия, 2023 г.). Кураторская концепция наглядно выражена в названии, указывающем на исключительную важность цвета в истории человеческой цивилизации.

Особенный проект Розендаля – малотиражная коллекционная книга «Один дома» (2019 г.) [56], а также связанные с ней серии NFT «Посвящение» (2022 г.), «Двери» (2022 г.) и «Шкафы» (2022 г.), в которых художник исследует механизмы демократизации искусства посредством различных цифровых инструментов. Поиски Розендаля в направлении NFT и блокчейна обнаруживают искреннюю веру в потенциальную мощь союза искусства и технологий.

Творчество Розендаля, некоторое время декларативно ограничивавшее себя пространством сети, в последние годы смело переступило пороги престижных европейских и дальневосточных музеев и галерей, включивших его произведения в состав коллекций, постоянных экспозиций и выставок. Так, например, в 2023 г. одно из его NFT-произведений было включено в собрание первой NFT-коллекции Центра Помпиду в Париже [57].

Среди самых известных художников современности отметим также Урса Фишера (р. 1973 г.) – швейцарца по происхождению, известного своими эклектичными, нередко сюрреалистическими скульптурами, картинами, фотографиями и инсталляциями. Творческий процесс Фишера известен своей спонтанностью, включает работу с различными материалами – глиной, воском, бронзой и даже пищевыми продуктами. Российской аудитории Урс Фишер известен благодаря скульптуре «Большая глина № 4», находящейся около здания ГЭС-2 на Болотной набережной в Москве.

В 2021 г. художник опубликовал на платформе Makersplace [58] свою первую коллекцию NFT под названием «Хаос» [59]. Коллекция, состоящая из 500 уникальных NFT, каждый из которых представляет собой цифровую скульптуру, составленную из двух знакомых всем объектов, отсканированных в 3д. Объекты движутся по орбитам, пересекаясь друг с другом и образуя причудливые формы. Проект будто бы возвращает нас в баснословные времена сотворения мира, когда из обломков хаоса, а может быть, даже повседневного мусора рождался божественный космос – порядок, ставший основой мироздания. Цикл бесконечных метаморфоз Вселенной показан художником с наивной непосредственностью, таящей глубокий философский смысл. Кульминацией проекта можно смело назвать объект CHAOS #501, объединяющий тысячу отсканированных фигур.

Помимо цифрового пространства, проект был представлен в Marciano Art Foundation (MAF, Лос-Анджелес) в 2022 г. Помимо того, была организована сопутствующая выставка с претенциозным названием «Знаменатель» в нью-йоркской галерее Гагосяна, где CHAOS #501 был показан на огромном настенном дисплее [59]: «Вместе объекты, собранные здесь, образуют субъективную энциклопедическую композицию, рассказывающую историю человечества через артефакты, которые оно оставляет после себя». Так арт-критики галереи оценили историософский смысл инсталляции [60].

Работа Урса Фишера из серии «Хаос: Буколический» (рис. 6) была представлена на выставке «Невидимый эфир» в Эрмитаже (Санкт-Петербург, 2021 г.) [61].

Очевидно, что идейные истоки этой коллекции берут свое начало в произведениях Марселя Дюшана, его объектах реди-мейд, вызвавших столько скандалов и споров 100 лет назад. Фишер показывает оцифрованные объекты максимально детально, со всеми изъянами, нарочитым натура- лизмом, намеренно искажая их масштаб. Благодаря этому приему художник меняет фокус зрения, заставляя всякого переосмыслить привычный предметный мир и место создавшего его человека. Таким образом, коллекцию «Хаос» можно рассматривать как исследование концепции реди-мейда в эпоху цифровых технологий, когда эти технологии обеспечивают новый уровень точности и манипулирования повседневными предметами.

Рис. 6. Урс Фишер «Хаос №21. Буколический», 2021

Fig. 6. Urs Fischer «CHAOS #21 (Bucolic)», 2021

Диалог с искусством поп-арта и, в частности, художником Класом Олденбургом (1929–2022 гг.) позволяет Фишеру с неподдельными иронией и юмором еще раз обратить пристальное внимание на культуру безудержного, разрушительного потребления, спровоцированного им массового производства, влекущего дегуманизацию искусства и общества.

Использование Фишером высокодетализиро-ванных отсканированных 3D-моделей, преобразованных в цифровые скульптуры, поднимает целый ряд острых вопросов: о природе аутентичности, оригинальности и авторства в эпоху цифровых технологий, об отношениях человечества и цифрового мира. Фишер подчеркивает исключительную зависимость современного общества от быстрого роста технологий, их влияния на наше восприятие реальности.

Выводы

Кажется, будто совсем недавно многие рассуждали о том, что NFT-культура – пристанище маргиналов, создающих цифровые аттракционы и аватарки, которые лишены художественной значимости, какого-либо смысла, принципиально отказавшихся от культурного наследия человечества. Однако наше исследование показывает всю предвзятость этого широко распространенного и весьма поверхностного мнения. Нигилизм, максимализм и «задиристость» NFT-сообщества не обернулись крушением старой цивилизации, знаменуя рождение новой эпохи, открывающей двери в чудесное будущее. Этот спор «отцов и детей» представляется нам не конфликтом, но диалогом, связующим звеном которого стало культурное и художественное наследие.