Синтез как основа обучения в творческой школе дизайна «Сенеж»

1Московский городской педагогический университет, Москва, Россия, , 2Московский университет «Синергия», Москва, Россия

1Moscow City Pedagogical University, Moscow, Russia, , 2Moscow University “Synergy”, Moscow, Russia

В свое время Е.А. Розенблюм – советский архитектор, проектировщик, дизайнер среды, создатель школы-студии – в маленькой cенежской студии создал и развивал художественную концепцию дизайна, ориентированную на искусство и культуру как на творческую оппозицию государственной системе технической эстетики (Ганова, 2019).

Сенежская студия являлась передовой школой дизайна на фоне того, что в стране шел усиленный процесс внедрения методов художественного конструирования в промышленность (Розенблюм, 1974). Е.А. Розенблюм создал в СССР системную учебно-экспериментальную студию и проводил проектные семинары. Методика его работы называлась «художественное проектирование». Сенежские опыты служили реформированию среды обитания человека. В проектных семинарах участвовали философы, искусствоведы, методологи, архитекторы и дизайнеры. Для Е.А. Розенблюма предметом экспериментов являлись образы, метафоры и всё мировое художественно-культурное наследие, позволяющее по-новому взглянуть на современные проблемы. «Сенеж» стал альтернативой рациональному проектному мышлению, так как опирался на визуальное восприятие, интуитивное мышление и широкие историко-культурные ассоциации. Опыты, впервые осуществленные школой «Сенеж», сегодня стали опорой для развития передовой архитектуры и дизайна мира (Вершинин, 2019). Искусство во всем многообразии его современных форм, жанров и техник становится питательной средой, творческой лабораторией и экспериментальным полем для новой сферы проектирования.

В 1960-е гг. в СССР «коробочный стиль» разрушал индивидуальность старых и новых городов. В этот период возникла иллюзия, что чуть ли не любой инженер, даже не имеющий художественной подготовки, сам может справиться с задачами эстетического оформления промышленной продукции.

Семинары живописцев и графиков, обычные для Сенежа, предполагали учебный процесс. Съехавшись со всего Союза, творческие личности работали в мастерских под условным контролем кого-то из мэтров, завершался семинар выставкой результатов их труда.

Главным предметом внимания сенежской студии стала художественно-эстетическая структура дизайна, которая трактовалась через конкретные связи сферы с общественными и духовными потребностями нашей страны, со всеми ее особенностями (Розенблюм, 1974). Разумеется, никаких методических образцов не имелось, и потому «штаб» школы в составе Е.А. Розенблюма, К.М. Кантора (философ и искусствовед, основоположник технической эстетики и истории дизайна) и В.Л. Глазычева (советский и российский ученый, архитектор, исследователь проектного творчества) принял за основу концепцию культурного шока. Ее можно свести к двум позициям. Первая – лекции, их следует строить с избыточностью материала или сложности, чтобы слушатели могли воспринять не более трети содержания. Вторая – ни в коем случае нельзя допустить, чтобы каждый работал над своей проектной темой в одиночку, следовательно, надлежит директивным образом выбирать несколько наиболее любопытных тем и добиваться групповой их разработки в мастерских под началом консультанта (Серов, Терехова, 2019).

Основные методы обучения, которые применялись в студии «Сенеж»:

• 1.    Практический метод. Участники семинаров занимались композицией, рисунком, живописью. Это позволяло им экспериментировать с различными материалами и техниками.

• 2.    Метод синтеза. Сочетание разноплановых творческих направлений в творчестве, таких как композиция, рисунок, живопись, скульптура, давало возможность найти новые способы самовыражения, развивая стиль художника и его профессиональные навыки.

• 3.    Метод проектов. Проводились семинары, обсуждения работ обучающихся в группе. Этот опыт способствовал формированию умения продуцирования творческих идей и навыков адекватного восприятия критики. Сотрудничество с реальными организациями поддерживало мотивацию участников и позволяло им применять знания и опыт на практике.

• 4.    Культурно-исторический метод. Глубокое и серьезное отношение к культуре и месту, изучение истории позволяли создать уникальный дизайн произведения, основанный на конкретной эпохе, образе, исторических фактах, декоративных жанрах.

По концепции Е.А. Розенблюма, основой такого рода проектирования являлось художественное творчество и изобразительное искусство. В этом «концепция Сенежа» противостояла классической идеологии дизайна (Серов, Терехова, 2019). Студия не рассматривала дизайн автономно, учитывала социальные, исторические, культурные контексты, что делало проекты ее участников полными смысла. Все обучающиеся были убеждены, что дизайн не техническая задача, а культурный процесс, требующий понимания потребностей аудитории, эстетических требований современности.

Таким образом, сенежская студия стала своего рода мостом между искусством и промышленностью, который способствовал развитию более глубокого и осознанного подхода к дизайну в России, ориентированного на многообразие культурных традиций и социальных запросов.

Интересны методы и подходы студии, используемые для развития художников и их обучения. В качестве консультантов и лекторов в Сенеж приглашали практиков и теоретиков архитектуры и дизайна, культурологии, истории, экологии и художественной критики – В. Аронова, А. Бокова, В. Глазычева. За три десятилетия непрерывной работы было сделано многое, чтобы восстановить утерянное с начала 1930-х гг. мастерство арт-дизайна и развернуть широкий веер поисковых работ1.

В Сенеже учили художников «думать», но особенным образом –художественно-проектно. В процессе создания произведения участники сенежской студии занимались станковой живописью, рисунком и одновременно прикладным искусством – графикой, фотографией... В интеграции конструктивно-изобразительных свойств и возможностей этих направлений создавалась специфическая проектная графика, на языке которой выполнялись все работы в студии. Лучшие из них были отмечены печатью произведений искусства2.

Таким образом, проектная графика постепенно стала уникальным языком, позволяющим художникам реализовывать идеи, визуализировать концепции и передавать замыслы.

На Сенеже не анализ, а синтез – основа обучения. Каждый проект имеет конкретно-содержательную композицию, определяемую авторами в результате поисков эстетического интеграла, цельности художественной формы, которая выражала бы собой проектируемый объект во всех его культурно-жизненных связях. Эстетический интеграл при этом понимается как способность объединять все элементы в целостную форму, которая будет говорить сама за себя (Жердев, 2019). Синтез как основной прием процесса обучения и проектирования интегрирует различные аспекты деятельности художника, чтобы позволить ему создать целостную композицию, которая отражает не только функциональную характеристику проекта, но и его эстетическую и культурную значимость. Каждый проект должен быть уникален, но важен контекст – социальные и культурные связи, которые влияли бы на конечный результат творчества. Также синтез подходов в работе способствует внедрению в творческий процесс инноваций, находит новые решения, которые не всегда очевидны в границах традиционных способов работы. В Сенеже, подходя к дизайну, как к уникальному проекту, студенты обучались реализовывать свои идеи, проявлять оригинальность и уверенность в творческих решениях.

Искусство ассоциируется с творческой свободой. Художник в этом контексте может создавать произведения, основываясь на собственных чувствах, эмоциях, переживаниях. Самовыражение не ограничивают рамки, все зависит от личной интерпретации творческой идеи, стиля автора. Художественное конструирование в дизайне требует определенного подхода. Ограничения касаются задач, определяемых потребностями пользователей. Творческая необходимость становится основным двигателем продуктивного процесса. Однако при этом дизайнеры могут создавать уникальные и функциональные вещи, находя баланс между заданными критериями и художественным выражением идеи.

Именно поэтому синтез является важным приемом в обучении дизайнеров художественному проектированию. Важно создавать уникальные проекты, учитывая контекст-культурные и социальные связи и эстетический интеграл. Последний предполагает возможность объединять все элементы в целостную форму, равную множествам, но с бесконечно малыми слагаемыми. В данном контексте эти слагаемые – родные образы, стили, декор, история и этническая составляющая – способны разнообразить проектные решения, создавая уникальные и неповторимые объекты в дизайне.

Творческая студия Е. Розенблюма наглядно применяла метод художественного проектирования в середине XX в. В современном учебном процессе методы, основанные на синтезе эстетики, стилей, истории, науки, теории и практики, компьютерных технологий, развитии креативности, творческой свободы, формировании у студентов творческого типа мышления, могут дать преподавателю возможные инструменты, которые послужат созданию индивидуального стиля обучающихся.

Развитие технологий, сервисов искусственного интеллекта (ИИ) позволяет судить о особой значимости и уникальности наследия, оставленного предыдущими поколениями. Художественное творчество, традиции, жанры искусства, созданные стили создают неповторимую среду для формирования и развития специалистов в области проектирования. В настоящем интерес к прошедшим эпохам только возрастает, различные направления искусства активно внедряются в креативную среду, стилистика СССР находит спрос в коммерческих проектах. Более 40 % творческих специалистов желают получить работу, в которой присутствует возможность креативно реализовать их личный потенциал. В высшей школе в связи с этим создаются мощные междисциплинарные лаборатории, в которых студенты создают проекты и реализуют их в виртуальном пространстве. Высоко ценится при этом умение «чувствовать» концепции, «видеть» тренды.

В целом, творческая способность – достояние немногих людей. Креативность развита не у всех, но движение в сторону ее совершенствования очень важно. Портфолио будущего специалиста-дизайнера складывается в период обучения, поэтому важно, чтобы не было расхождения между требованиями работодателя и его составляющими.

Образование в сфере дизайна модернизируется и обогащается новыми методами постоянно. Технологии прочно основались в творческом мире, художники и дизайнеры активно экспериментируют с нейросетями, создают эскизы, многие цифровые сервисы позволяют создавать множество визуальных вариантов решений за несколько минут, 80 % дизайнеров используют ИИ-сервисы для подбора цветов и паттернов, интеграция технологий в творчество продолжает расти.

В 2024 г. был принят закон «О развитии креативных индустрий в РФ»1 Планы правительства предусматривают увеличение доли креативных индустрий в российской экономике до 6 %. Рост количества занятых в творческих профессиях планируется довести до 15 %2.

В настоящее время происходит трансформация запросов работодателей в этой сфере. Специалисты, работающие в сфере креативных индустрий, продвигаются по пути самореализации. Так, в компетенцию арт-директора, к примеру, входит умение формировать смыслы, концепции, объединять команды, поддерживать связь с технологиями.

В заключение можно сделать вывод, что уникальная для Советского Союза, объединившая на тот момент специалистов высокого уровня школа дизайна «Сенеж» оставила своим потомкам бесценный опыт, создала современную форму преподавания и обучения дизайнеров, в которой при работе над проектами важной является культурная основа, на которой развивается проектная мысль художника.

В настоящем креативный проект во многом зависит от финансирования, потребностей рынка, тенденций в дизайне. Но создание его неизбежно основано на смысле, он содержится в культурных кодах, понятных, родных для многих из нас. Опыт предшествующих поколений немаловажен, он создает тот теоретический и практический фундамент знаний и опыта, который необходим современным специалистам для успешной карьеры.